Adaptación Libre de la Realidad

Bombal por Samuel Olivares

Después de casi una década Marcelo Ferrari estrena su segunda película, la cual tras su paso por el festival de Cine de Valdivia ya había despertado cierto interés del público y la crítica, y de paso es también el primer estreno nacional del 2012, que en su primer semestre se viene muy movido en cuanto a estrenos.

“Bombal” cuenta la historia de la escritora chilena María Luisa Bombal, sin ser una biografía, es más bien un relato que reúne varios sucesos reales de la vida de Bombal y los articula en una narración, bastante dinámica y fácil de seguir. Sin embargo esta adaptación libre de la vida de la escritora no se ciñe del todo a la cronología ni temporalidad de los sucesos acontecidos en la vida de Bombal, lo cual la hace desvariar en varios aspectos, tanto estéticos;  como el arte y el vestuario, los cuales a ratos están más cerca de los años 50´ que de la década del treinta y otros más bien históricos, como lo son el habla, en donde es posible escuchar varios términos que son más recientes en el habla nacional. Detalles más o detalles menos, son los que finalmente van elevando o sepultando a la película más allá del relato y lo visual.

Los acontecimientos narrados en la realidad transcurrieron a lo largo de seis años de la escritora, sin embargo en la película parecen haber sucedido en no más de tres meses, todas las situaciones mantienen una unidad temporal, que buscan dar mayor dramatismo a la película, sometiéndonos en un vértigo e incluso en una especie de “locura” que vive el personaje de María luisa al no poder enfrentarse a su quiebre amoroso. Este aspecto reductivo y elíptico de las acciones le resta profundidad al personaje y su drama interno, una vez más, al igual que en Violeta, la gran historia de vida de los personajes se reduce a una sola pasión: el amor por un hombre no correspondido, lo cual lleva a sus personajes a la “locura” a abandonar todo, hasta la vida misma. De esta forma se despoja a la cinta de otros matices y aristas de la vida de los personajes, todo el resto se transforma en anécdota y se convierte en un adorno que ayuda a que los acontecimientos avancen, pero por otro lado se va perdiendo la tridimensionalidad del personaje, volviendo a la historia un tanto plana y predecible (teniendo en cuenta que uno puede conocer previamente la historia de estos personajes)

Ferrari filma de manera totalmente opuesta a su anterior film, acierto o desacierto la película está un tanto sobrecargada. La fotografía es correcta y los espacios tienen una atmosfera interesante, pero el montaje de las secuencias es en su mayoría efectista, intentando romper el eje para ser lo más abrupto posible, intentando de darle “caos” a las situaciones. Así mismo con la música, en largos pasajes de la película tenemos música incidental, de gran factura, pero que viene muchas veces a rellenar la emoción que no puede alcanzar la imagen, en muchas de las ocasiones es la música la que intenta revelar el ánimo de la protagonista subjetivizando al máximo la realidad observada, sin embargo este es un elemento reiterado tantas veces en el cine que si no se ocupa del todo bien, termina siendo un ejercicio de efectismo puro. La película decae por su poco arrojo, Ferrari filma casi de fórmula, pero para una audiencia más acostumbrada a la televisión, sobrecarga su película con un montón de gestos que finalmente hacen que lo único más destacable sea la interpretación de Blanca Lewin, quien siempre se mantiene sobria y creíble en su papel, y con esta cinta viene a ratificarse como la actriz con mayor y más interesante filmografía de la última década.

Dirección: Marcelo Ferrari

Producción: Macarena Cardone, Macarena Concha, Matías Cardone, Karen Meyer

Director de Fotografía: Sergio Armstrong

Montaje: Fernando Valenzuela Quinteros

Música: Ángela Acuña

Sonido: Boris Herrera, Cristián Freund

En serio, pero ni tanto

Efectos Especiales por Felipe Azúa

Campo, pobres, ricos, dictadura, amistad, lesbianismo, cine, arte, representación. Estos son algunos de los temas que Bernardo Quesney busca abordar en su segunda película Efectos Especiales, también son los temas que quiere abordar Bernardo Quesney en el cortometraje que intenta registrar durante la historia de esta película. Aunque esta sentencia puede parecer confusa se debe a que la película presenta un construcción de desdoblamiento entre la trama y el rodaje mismo.

La película nos advierte desde los créditos de inicio el carácter autorreflexivo e irónico cuando se agrega en los créditos información sobre el proceso de grabación, las excusas del montajista hacia el resultado y sus propios avisos económicos y amorosos hacia una tal Pamela. Luego la cinta comienza con una forzada escena de reencuentro entre dos antiguas amigas (Paola Lattus y Fernanda Toledo), la poca intención de sus actuaciones llega a un punto donde el director (Quesney) decide por cortar la toma y así – entrando en el campo de la ficción ya que Nico, el camarógrafo, no deja de grabar – se presenta como una aberración de la ficción que sitúa a la película en el complejo terreno de la autorreflexión, en un cine de ficción-making of.

El director es un joven principiante que se enreda en discusiones y peleas con las actrices para poder imponer su punto de vista que en realidad no tiene nada claro, por esto se ve obligado a improvisar llegando a limites poco claros y sin tener necesariamente un rumbo con su película sentenciando cosas como: “ohh Cannes, puros maricones…” ó “creís que estos son comerciales, no, esto es cine, esto es cine”. Así es como Quesney va colmando la paciencia de sus actrices, de su productor y también del invisible camarógrafo, haciendo que la película tome otro curso en su metraje final.

Las intenciones de Quesney son valiosas dentro de la pequeña y relativa industria del cine de nuestro país. Efectos Especiales entra a jugar en un terreno peligroso dentro de un ambiente copado de egos y sobre éxtasis por los méritos externos de las películas, es así como en forma irónica este joven director plantea una crítica a las fórmulas preconcebidas y a los temas que supuestamente generan interés en el espectador. El formato de comedia irónica le cae muy bien a este director y logra mezclar de manera directa el formato de la ficción y la autorreflexión, pero también se mueve al filo de la ceguera total, cuando utiliza las mismas técnicas que crítica para dotar al filme de un alma simbólica, me refiero particularmente al uso de la cámara que nunca corta y al uso de los intertítulos que separan la película en capítulos temáticos.

A ratos la película se entrampa en un eterno masticar de el mismo chicle, volviendo una y otra vez en la falta de visión y las malas técnicas de dirección de Bernardo y a los conflictos que genera la experiencia televisiva de Paola versus la poca experticia de su partner Fernanda. De a poco va perdiendo la frescura del director/actor y además la novedad de su desdoblamiento se estanca para entrar en un letargo y la parodia no soporta el tono crítico del comienzo terminando en un exceso de maneras por parte del joven personaje/director.

Aquí resulta extraño que no se haya adoptado un nuevo distanciamiento para volver a hablar sobre la interpretación pensando en ejemplos como Mitómana de José Luis Sepúlveda.

Hacia el final un nuevo aire es empujado por la ficción y hace de un cambio de director una oportunidad para un pequeño discurso sobre las diferencias de visión  sobre una misma historia y además vuelve a reflexionar sobre el cine nacional con evidentes referencias con el uso de voz en off que nos trasladan al cine de Cristián Sánchez o Raúl Ruiz, donde no sabemos cual es el dispositivo real en la escritura de una carta, si es que existe un receptor, si es que interactúa con la película o si la película interactúa con la voz en off.

Por otro lado se hace interesante la visión global de este director sobre la producción audiovisual y la “industria”, ya que esta es su segunda película realizada de manera artesanal, con una crítica seria a los sistemas de producción y la propia cinematografía nacional pero sin tomarse demasiado en serio a si mismo y sin caer en la formalidad de los procesos de distribución, es así como EE ha sido exhibida una función online por el sitio Disorder, también ha sido exhibida en la Cineteca de la Universidad de Chile, en una sala de teatro de manera esporádica, proyectó funciones en un espacio discoteca y ahora comienza un recorrido por festivales. Esta difusión artesanal (nuevamente) y poco convencional hace que el discurso de Quesney se complete y no quede encerrado en la parodia insulsa, sino más bien tome un rumbo hacia el cine que realmente puede ser catalogado de independiente.

Director: Bernardo Quesney

Cámara: Nicolás Durán

Producción: Paulo Orrego

Elenco: Bernardo Quesney, Paulo Orrego, Paola Lattus, Fernanda Toledo

El Circuito de Román

por Samuel Olivares

Sebastián Brahm en su primera película intenta adentrarse en los misterios de la memoria humana. Está película nos narra la historia de Roberto Román un investigador que cimentó su prestigio en su juventud, tras publicar un artículo sobre la “migración cortical” que se basa en la naturaleza de los recuerdos y como estos son almacenados en nuestra cabeza. Tras años en el extranjero ha vuelto a su país, su prestigio ha ido en descenso, y regresa a la escuela que lo vio nacer. Su carrera está en crisis, su vida también. Acepta un trabajo de investigación en donde conoce a un muchacho joven, tan talentoso como él en el pasado. Sus posibilidades de sorprender nuevamente con una publicación son prácticamente su obsesión, pero en su nuevo trabajo no posee las herramientas para profundizar en sus estudios y sus anhelos se ven limitados a sus posibilidades.

El argumento de la historia en un comienzo parece estructurarse como una película convencional, pero de a poco se va haciendo un tanto difícil de seguir, la relevancia e implicancias de la investigación no son del todo claras y no logran atrapar del todo la atención, hasta llega un punto de inflexión en el cual el montaje abandona la linealidad cronológica de los hechos para volverse más “intelectual” en donde la película en cierto grado comenzará a articularse como se articulan las ideas o recuerdos dentro de la cabeza, es así como la historia busca asimilar este funcionamiento, para en algún grado dimensionar la importancia o trascendencia de la investigación que desarrolla Román, para de alguna forma adentrarse en su cabeza.

La película es dispar, logra momentos interesantes, pero como unidad deja varias dudas, la puesta en escena es correcta y sus interpretaciones también, salvo la de Alexis Moreno que siento que no logra dar con el tono que si tiene el resto de los personajes dentro de la película. Otro aspecto a destacar es la musicalización, siempre muy acorde y precisa dentro de las escenas. Otro acierto visual es el juego de completar con el cuarto término o descifrar la imagen, estos aspectos lúdicos le dan frescura a la visualidad de la película, sin embargo no están lo suficientemente explotados, ya que, siento que es en este momento en donde quizás por única vez podemos adentrarnos dentro del pensamiento, pero no dentro de la cabeza de Roberto Román.

El filme pareciera tener cierta vocación de masividad, se asemeja bastante a las cintas de industria, distanciándose casi por completo de las características particulares del cine latinoamericano. Esta distancia ayuda a construir el relato sin tantos resquemores (lo hace creíble, pero no tan interesante ni entendible), pero también lo lleva a ser comparado con películas que tratan temáticas similares (que están más logradas) lo cual siempre es nefasto.

El Circuito de Román va acumulando sucesos que terminan desencadenando con demasiada rapidez, sin lograr cuajar todas las aristas esbozadas en la historia (se resuelven todas, pero de forma un tanto arbitraria), hacia el final la apuesta visual es mucho más arriesgada y la confusión también aumenta, sin embargo los momentos mejor logrados se van diluyendo a través de un montaje que bombardea de ideas, momentos, recuerdos y presente que desembocan de manera estrepitosa.

Dirección y Guión: Sebastián Brahm

Producción: Jorge López, Gregorio González, Pepe Salvia, Laura Mara Tablón

Fotografiá: Benjamín Echazarreta

Música: Miranda y Tobar

Reparto: Cristián Carvajal, Paola Giannini, Alexis Moreno, Julia Martínez Rubio.

El Año del Tigre

por Samuel Olivares

Sebastián Lelio nos presenta su tercer largometraje, el cual narra la historia de Manuel, un preso que posee cierto respeto dentro de la cárcel, que al ocurrir el terremoto tiene la ocasión de escaparse de prisión. Al salir de su cautiverio regresa a lo que era su hogar, pero encuentra solo escombros, busca a su mujer e hija, pero no las encuentra.

El Año del Tigre transcurre entre la realidad y la ficción, dueña de un silencio inquietante, en donde se aprovechan de manera muy acertada las locaciones reales, los lugares devastados por el terremoto y el posterior tsunami. El camino a la libertad de Manuel es eterno, no porque el escape sea complejo, si no porque ahora permanece esclavo de la incertidumbre del destino de su familia. Manuel avanza en su búsqueda, se siente perseguido, se sabe clandestino y prófugo, pero nadie lo sigue, es un lugar sin orden, devastado y deshabitado, un lugar que nos muestra la magnitud de la fuerza de la naturaleza, y es precisamente esta carga de realidad la que le da potencia emotiva al filme.

La película va generando momentos interesantes y potentes, va volviéndose desgarradora en su acontecer,  como apología de su libertad, Manuel libera a un tigre que permanece encerrado, pero abandonado, este acto resulta como la culminación de la huída, pero a su vez es la que marca un quiebre dentro de la la historia, que en su segunda mitad se transforma en una cinta mucho más explícita y predecible perdiendo algo de la potencia del comienzo.

En su camino Manuel se encuentra con un capataz que le ofrece comida a cambio de trabajo, las posibilidades del ex convicto son pocas y acepta el ofrecimiento, y la relación entre ambos produce en cierto grado un cambio en el tono de la película, las actuaciones y situaciones se vuelven más “dramáticas” y comienza a esbozarse la implicancia moral y religiosa de forma mucho más palpable dentro de la historia, tanto en los textos como en la música. Aspectos que hacen crecer en profundidad al relato, pero que en términos de estructura narrativa y coherencia cinematográfica terminan disociándose con la primera parte.

Aún así la película logra mantener la atención, es una cinta austera, rodada casi por completo en exteriores, con pocos personajes y en pocos días, es precisamente está urgencia (fue rodada dos meses después del terremoto) la que empapa a El Año del Tigre con cierta emotividad que la hace cercana y a ratos visceral. Sin embargo hay dos aspectos que no potencian del todo al filme, que son la fotografía, que en su propuesta de imprecisión y suciedad, termina exagerando y “ensucia” por completo todo el trabajo, haciéndolo menos interesante en términos visuales. El otro aspecto es el abuso de la música, el leit motive musical no termina siendo efectivo del todo, volviéndose un poco gratuito en algunos momentos, además la utilización de música incidental, que en las otras cintas de Lelio era prácticamente nula, en su último filme toma una importancia que la imagen ya soportaba por si sola.

Director: Sebastián Lelio
Productores: Juan de Dios Larraín / Pablo Larraín / Gonzalo Maza
Guión: Gonzalo Maza
Director de Fotografía: Miguel Ioan Littin
Director de Arte: Fernando Briones
Jefe de Producción: Javier Pradenas
Producción Ejecutiva: Mariane Hartard / Andrea Carrasco Stuven / Juan Ignacio Correa
Edición: Sebastián Sepúlveda / Sebastián Lelio

Elenco: Luis Dubo / Sergio Hernández / Viviana Herrera

Reencontrarse a sí mismo

Música Campesina por Samuel Olivares

Alberto Fuguet nos presenta su tercer largometraje, una interesante cinta en la cual Alejandro Tazo intenta rearmar su vida luego de un quiebre amoroso, está solo, despechado, en otro país y sin hablar mucho inglés busca reconstruir su vida, busca reconstruirse a sí mismo.

Fuguet mantiene la misma temática de sus cintas anteriores, un hombre en la tercera década que está errante, luego de la culminación de una relación sentimental, lo que siempre pone en un nuevo plano a sus protagonistas, en donde deben reencontrarse para retomar el camino.

Los primeros minutos de la cinta siembran cierta incertidumbre, la espera es tensa, el silencio es profundo, pero lentamente vamos conociendo a Alejandro Tazo el cual se adentra en una aventura tratando de buscarse la vida en Nashville, la cuna de la música country. Alejandro busca trabajo, busca amistad, busca un lugar donde hospedar, siempre está buscando algo a que aferrarse en este país en donde se comunica con dificultad, en donde se alimenta mal, en donde no sabe porqué sigue, sólo sabe que no quiere regresar a Chile y afrontar su fracaso sentimental ante el resto, eso lo avergüenza.

En su camino Alejandro se encuentra con diferentes personajes, algunos lo ayudan, otros no, y es en estos encuentros en donde se crean los momentos más interesantes de la película, las conversaciones son entretenidas la gran mayoría con mucho humor, las cuales a su vez nos van dando la dimensión y profundidad del personaje, en cierta forma Alejandro siempre está reflexionando, siempre se expresa con claridad es un hombre trasparente que finalmente se reencuentra así mismo arriba de un escenario, en donde anhela que su campo bueno se transforme nuevamente en su campo lindo.

Es destacable como Fuguet muestra a lo largo de sus tres filmes un sustentable progreso tanto a nivel de historia, como de técnica y de interpretaciones, lo cual comienza a potenciar cada vez más su filmografía, mejorando tras cada entrega. Por otro lado también es destacable la participación de Pablo Cerda quien demuestra la gran cohesión que ha conseguido con Fuguet, entregándonos una notable interpretación.

Dirección: Alberto Fuguet

Producción: Mauricio Varela, Sarah Childress, Ted Fischer

Fotografía: Ashley Zeigler

Edición: Sebastián Arriagada

Sonido: Cristián Mascaró

Música: Gustavo León Capdeville

Reparto: Pablo Cerda, James Carhcart, Karin Whitehouse, Ezra Fitz, Todd Hughes, Cole Kinnear.

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El juicio moral

Anónimo por Felipe Azúa

La película de egreso de la Escuela de Cine de la Universidad del Desarrollo fue presentada dentro de la competencia de largometraje chileno del Festival de Cine de Valdivia. El filme cuenta la historia de Javier, un hombre que intenta reinsertarse en la sociedad luego de haber estado en la cárcel al parecer por bastante tiempo. El motivo de su condena no es expuesto y esto es uno de los pilares de la narración ya que juega con la tensión que provoca entre sus cercanos, su presencia no es bienvenida pero por protocolo su hermano intenta ayudarlo, su cuñada desconfía de él y al final Javier decide salir de ahí, yendo a parar a un hotel del que también arranca. En esta ruta de desarraigo Javier intenta contactar con su ex mujer para poder ver a su hija que ya es una adolescente, pero la mujer se lo niega. Mientras sigue buscando donde vivir y en que trabajar, Javier merodea por la casa de su ex mujer.

A los días el personaje encuentra un lugar para vivir, en una casa antigua donde arrienda una pieza y hace buenas amistades con la dueña del lugar. En este punto el relato juega con la tensión sexual que provoca la hija adolescente de la encargada. Javier y Amanda entablan una relación de amistad y apoyo mutuo, así Javier reprime algunas inquietudes y de alguna forma encuentra en la joven un sustituto para la hija que aún busca.

La resolución del conflicto habla sobre el rechazo a las segundas oportunidades, ya sea por parte de la sociedad y también del protagonista.

El filme está construido de manera lineal y bastante elíptica, con un tratamiento de imagen y sonido realista que se ve reforzado por la cámara en mano y el punto de vista cercano al personaje. Si bien es una forma probada que podría acercarse a la identificación con el personaje, en este caso no es del todo simple entrar en el estilo y termina aplanando la narración en lugar de dar mas profundidad.

La estrategia que utiliza Renato Pérez para cautivar con su primer largometraje no deja de ser curiosa, ya que por un lado existe la opción de reivindicar a un personaje que socialmente está marcado y por otro manejar ciertos códigos de suspenso para generar la duda sobre sus verdaderas intenciones y sobre la causa de su confinación. Esta última arista es la que mejor explota el director, sosteniendo gran parte de la película en la tensión que genera este personaje desconocido para todos, anónimo para los que recién lo conocen, en desmedro de un acercamiento al personaje para comprender su probable redención. Javier se torna en un personaje misterioso incluso para el espectador y no permite generar la empatía necesaria para exculparlo y hacer que la premisa del relato tenga sentido, en ese sentido la película se vuelve un poco en contra de su personaje convirtiéndose en una mirada afianzada en la moral, ya que al igual que los personajes de la película no es seguro que luego de ver el film todos tengamos la intención de  darle una segunda oportunidad a Javier.

Director: Renato Pérez

Guión: Camila Rodó, Fernando Silva

Producción: Juan Ignacio Correa

Fotografía: Yusuke Hagiwara

Edición: Gabriel Giglio, Cristian Giralda, Renato Pérez

Sonido: Fernando Silva

Reparto: Mario Ossandón, María de los Ángeles García, Jacqueline Adrián, Antonia Zegers, Marcial Tagle, María Eugenia Prado

Bosque Lejano

Leña por Felipe Azúa

El documental de observación valdiviano presenta un relato austero sobre el proceso de tala, proceso y consumo de árboles del bosque de la región para su uso domiciliario como combustible para la calefacción.

De manera lineal el proceso comienza con el inicio del día y vemos como funcionan las chimeneas del pueblo y además seguimos el recorrido de un personaje que se dedica a cortar leña con una sierra móvil. Luego nos adentramos en el proceso de la tala, con el seguimiento a varios personajes que representan distintos momentos y procesos del sistema. Un trabajador que es capaz de botar un árbol con un hacha y otro que realiza la misma acción con motosierra, por otro lado se encuentra el viaje de un chofer que va en busca de la leña. Todo el recorrido se resume a un día en que de manera repetitiva vamos viendo las acciones de este grupo de personajes, con un punto de vista distante hacia ellos y centrado en una cierta mirada ecológica sobre el bosque.

Este último punto es lo mas interesante del documental, ya que se abstrae de entrar en comunión con los personajes para dejar al bosque como personaje principal, ó mas bien a la Leña, si bien esto es un punto de partida interesante para hacer un relato más bien frío y calculado, en general la película va perdiendo fuerza a medida que las acciones se hacen predecibles y el tratamiento se torna repetitivo. Lo que algún momento eran aciertos de dirección como el nivel  de cercanía con los personajes, el ascetismo con que se acerca a la leña ó los movimientos de cámara, pronto se transforman en un tic que pierde cada vez más el sentido.

Como un ejercicio de observación la película logra adentrarse en un pequeño mundo de manera formal, pero el proceso que intenta retratar está cargado de significados, de los cuales el documental deja de hacerse cargo, ya sea por decisión propia o por falencia. Por su estructura y tratamiento tiene la gracia de abrir varias aristas del tema que observa, pero a la hora de tomar la responsabilidad de ahondar en alguno se muestra temeroso y lejano.

Guión y Dirección: Carlos Vargas Recalcati

Producción: José Miguel Matamala

Dirección de Fotografía: Carlos Vargas Recalcati

Edición: Roberto de la Parra

Sonido: Jaime Hernández

Reparto: Abelardo Valdebenito Bravo, Luis Días Rehn, Roberto Días Castro, Juan Chupin, Juan Amable Ovalle.